sábado, 18 de noviembre de 2017

Aniversarios (CCII) [Noviembre / November 12-18]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Noviembre aquí / All anniversaries for November here.
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El 12 de Noviembre es el cumple de

Laurin McCracken, pintor acuarelista estadounidense nacido en 1942 en Meridian, Mississippi, conocido por sus naturalezas muertas fotorrealistas, florales, paisajes y otros temas.

"Reflejos en peltre / Reflections in Pewter", acuarela / watercolor, 21" x 24". Southwest Art

"Frutas, cristal y porcelana china / Fruit, Crystal and Chinese Porcelain"
Acuarela / watercolor, 20" x 26". Wikimedia Commons

McCracken obtuvo un bachiller en Arte y Arquitectura de la Rice University. También se graduó de la Universidad de Princeton con una Maestría en Arquitectura y Planificación Urbana. Durante cuarenta años trabajó como arquitecto y director de marketing para varias de las firmas de arquitectura e ingeniería más importantes del país.

"Botes de conservas sobre negro / Canning Jars on Black", acuarela / watercolor, 22" x 40"

"Negro, blanco y rojo / Black, White and Red", acuarela / watercolor, 38" x 28"

Tomó sus primeras clases de acuarela en 1999 con Gwen Bragg en The Art League en Alexandria, Virginia. También estudió con Alain Gavin, profesor del Instituto de Arte de Chicago.
McCracken se retiró y comenzó a pintar a tiempo completo. Vive y trabaja en Fort Worth, Texas.

"Botellas sobre cajón de madera / Bottles on Wooden Box", acuarela / watercolor, 15" x 10,5". JJC


El 13 de Noviembre es el cumple de

Ernst Thoms, pintor alemán, nacido en 1896 en Nienburg/Weser.
Después de servir como aprendiz de pintor entre 1911 y 1914, tuvo tiempo de estudiar durante algunos meses en la Escuela de Artes Decorativas y Aplicadas de Hanover antes de ser reclutado. Fue prisionero de guerra en un campo de internamiento inglés, pero regresó a su hogar en noviembre de 1919.

"Es ist Winter / Es invierno / It is Winter", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 44 x 58 cm., 1928
Museum Nienburg (Alemania / Germany). Wikimedia Commons

Una vez más, pasó algunos meses en la Escuela de Artes Decorativas y Aplicadas de Hanover en 1920, en la clase impartida por Burger-Mühlfeld, donde conoció a Grethe Jürgens y su círculo. Ernst Thoms, sin embargo, fue básicamente un autodidacta. Sus géneros preferidos fueron los paisajes, naturalezas muertas y retratos.
Durante la inflación galopante de la década de 1920, Ernst Thoms se vio obligado a ganarse la vida como pintor de casas, pero en 1924-25 también pintó anuncios y escenarios. En ese momento Schwitters y Vordemberg-Gildewart también estaban activos en Hannover, donde su trabajo era muy respetado. Mientras que el realismo del tipo practicado por el "Nuevo Grupo de Objetividad" fue considerado como un anacronismo, Ernst Thoms fue el único defensor de este estilo para que fuera reconocido en la década de 1920.

"Selbstbildnis / Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 29,4 x 25,5 cm., 1932
Colección privada / Private CollectionWikimedia Commons

Tuvo su primera muestra en 1926 en la Kestner-Gesellschaft, en Hannover, y el Museo Provincial compró su pintura "Dachboden / Ático". Posteriormente se unió al "Deutscher Künstlerbund" y la "Secesión de Hannover". Mostró su obra en exposiciones en Ámsterdam, Estocolmo y las mayores ciudades alemanas, así como en la Galería Neumann-Nierendorf en Berlín, la Secesión de Hamburgo y la Kestner-Gesellschaft en 1928, 1931 y 1932.

"Bildnis der Mutter / Retrato de su madre / Portrait of his Mother"
Óleo sobre madera contrachapada / oil on plywood,  46 x 34,5 cm., 1928. Wikipedia

Fue galardonado con Mención de Honor en 1930 por el Ministerio de Cultura de Prusia por su "Bildnis der Mutter / Retrato de su madre". Participó en la Bienal de Venecia de 1934 y se casó con Grete Giesemann ese mismo año. En 1937 los nacionalsocialistas confiscaron los cuadros de Ernst Thoms que colgaban en los museos alemanes.
En 1939-40, Thoms fue nuevamente reclutado. Cuando su estudio y su piso fueron destruidos en un bombardeo en 1943, todas las obras que conservaba en su colección particular fueron destruidas. Sin embargo continuó pintando después de finalizar la guerra. En 1950 regresó a Hannover. El Hanover Kunstverein montó una retrospectiva del trabajo de Ernst Thoms con motivo de su sexagésimo cumpleaños.

"Dachboden / Ático / Attic", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88 x 99,5 cm., 1926
Sprengel Museum (Hannover, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

En 1964 fue condecorado con la Gran Cruz del Servicio de la Orden de Baja Sajonia. Aunque continuó pintando, desde 1968 el deterioro de la vista fue un obstáculo en sus últimos años.
Ernst Thoms murió en Vietzen cerca de Nienburg en 1983. Su obra, que se mantuvo cerca de la Nueva Objetividad, siempre ha sido apreciada y aclamada.

"Hiddensee / Lago oculto / Hidden Lake", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 1937
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons


El 14 de Noviembre es el cumple de

John Steuart Curry, pintor estadounidense nacido en 1897 en Dunavant, Kansas.

"Ajax", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,1 × 122,6 cm., 1936-37
Smithsonian American Art Museum (Washington, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

A pesar de crecer en una granja del Medio Oeste, ambos padres de Curry tenían estudios universitarios e incluso habían visitado Europa en su luna de miel. La vida temprana de Curry consistió en cuidar a los animales en la granja, asistir a la escuela secundaria cercana y destacar en atletismo. La casa de su infancia estaba llena de reproducciones de Peter Paul Rubens y Gustave Doré, y los estilos de estos artistas jugaron un papel importante en la elaboración del estilo de John Curry.

"Cerdos matando una serpiente / Hogs Killing a Snake", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 97,3 cm., c.1930
Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Fue animado a pintar animales en la granja y a la edad de doce años tuvo su primera lección de arte. En 1916 ingresó en el Kansas City Art Institute, pero tras solo un mes se trasladó al Art Institute of Chicago, donde permaneció dos años. En 1918 asistió a Geneva College en Beaver Falls, Pennsylvania. Después de graduarse trabajó como ilustrador desde 1921 hasta 1926, año que pasó en París estudiando las obras de Gustave Courbet y Honoré Daumier, así como las técnicas de color de Tiziano y Rubens. Después de su regreso a los Estados Unidos se instaló en la ciudad de Nueva York y se casó con Clara Derrick, con quien poco después se mudó a Westport, Connecticut en 1924. Clara murió en junio de 1932 y durante los siguientes dos años Curry se dedicó a trabajar en su estudio. Viajó con el Ringling Brothers Circus y durante su tiempo con ellos creó su pintura "The Flying Cadonas". Se volvió a casar en 1934 con Kathleen Gould. El Federal Art Project se instituyó en 1934 como una forma de dar trabajo a los artistas y aliviar los efectos de la Gran Depresión.

"Campo de maíz en Kansas / Kansas Cornfield", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1933
Wichita Art Museum (Kansas, EE.UU./ USA). WikiArt

En 1936 Curry fue nombrado primer artista en residencia en el Colegio Agrícola de la Universidad de Wisconsin-Madison. Era libre de viajar por todo el estado y promover el arte en las comunidades agrícolas, proporcionando instrucción personal a los estudiantes.
En 1937 fue elegido miembro asociado de la Academia Nacional de Diseño, y se convirtió en un académico completo en 1943. Curry continuó trabajando en la Universidad de Wisconsin hasta que murió de un ataque al corazón a la edad de 48 años, en 1946.

"The Mississippi", óleo y témpera sobre panel / oil and tempera on canvas, 91,44 x 120,65 cm., 1935.
Saint Louis Art Museum (Misouri, EE.UU./ Missouri, USA)


El 15 de Noviembre es el cumple de

Michael Otto Albert Kvium, artista danés nacido en Horsens, en el este de Jutlandia, en 1955.

"La musa del pintor III / The Painter's Muse III", 2014

Ha destacado en varios campos, como la pintura, la ilustración, la escultura y diversos géneros de performance. Desde principios de la década de 1980 ha creado obras grotescas realistas, que representan el lado más oscuro de la vida.
Estudió pintura en la Real Academia Danesa de Bellas Artes con Albert Mertz y Stig Brøgger. Sus pinturas y obras gráficas a menudo se parecen a las tiras cómicas o a las extensiones de pinturas barrocas del siglo XVII. Representan los aspectos más negativos de la cultura occidental. Los motivos incluyen monstruos grotescos, mitad hombre mitad mujer, a veces se acercan a autorretratos.

"El país propio de los dioses / Gods Own Country", 150 x 150 cm., 2011

En 1981, junto con Erik A. Frandsen y Christian Lemmerz, fue uno de los cofundadores de Værkstedet Værst, un taller colaborativo para el arte escénico. Desde la década de 1980 sus obras incluyen formas similares a virus como parte de los ciclos de crecimiento. Las obras de la década de 1990 también incluyen figuras vendadas que muestran parálisis y claustrofobia, como se puede ver en Kor (1991).

"Una mentira bien vestida a simple vista III / A Naked Eye on a Welldressed Lie III", 190 x 190 cm., 2012

Exposiciones individuales en ARoS Aarhus Kunstmuseum (2006) y Ordrupgaard (2007) incluyen grandes obras que evocan relaciones con el paisaje y la naturaleza. Entre sus obras también hay videos, historietas y performances. Ha creado escenarios en colaboración con Katrine Wiedemann. Junto con Christian Lemmerz, en 2000 creó una película muda de ocho horas titulada The Wake inspirada en Finnegans Wake de James Joyce.
Las obras de Kvium están incluidas en las colecciones de muchos de los museos y galerías de Dinamarca.

Serie Payasos contemporáneos / Contemporary Clowns Series
"Retfærdigheden / Justicia / The Justice", 2017. Foto / Photo: Lars Beyer. Link


El 16 de Noviembre es el cumple de

Francis Danby, pintor irlandés de la época romántica nacido en el condado de Wexford en 1793. Sus paisajes imaginativos y dramáticos eran comparables a los de John Martin.

"El diluvio / The Deluge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 284,5 x 452,1 cm., exhibido en / exhibited 1840
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Cuando murió su padre, la familia se mudó a Dublín, donde Danby comenzó a practicar dibujo en las escuelas de la Royal Dublin Society, y bajo la dirección de un joven y errático artista llamado James Arthur O'Connor comenzó a pintar paisajes. También conoció a George Petrie.
En 1813 se fue a Londres junto con O'Connor y Petrie. Esta expedición, llevada a cabo con escasos fondos, llegó rápidamente a su fin y tuvieron que volver a casa caminando. En Bristol hicieron una pausa y Danby, descubriendo que podía obtener pequeñas sumas por sus acuarelas, permaneció allí trabajando diligentemente y enviando a las exhibiciones de Londres cuadros de importancia. Allí sus grandes pinturas al óleo atrajeron rápidamente la atención.

"Funeral de un jefe de montaña (El entierro de Alarico) / A Mountain Chieftain's Funeral (The Burial of Alaric)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34,9 x 54,9 cm., c.1848
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA)

Alrededor de 1818/19, Danby fue miembro del grupo informal de artistas que se hizo conocido como la Escuela de Bristol, participando en sus reuniones de dibujo de la tarde y haciendo excursiones de dibujo visitando el paisaje local. El grupo se había formado inicialmente alrededor de Edward Bird, y Danby eventualmente sucedería a Bird como su figura central. La pintura de género de Bird tenía un estilo naturalista y colores frescos, y su influencia se nota en el estilo de Danby.
"The Upas Tree" (1820) y "The Delivery of Israel" (1825) lo llevaron a su elección como miembro asociado de la Royal Academy. Dejó Bristol por Londres, y en 1828 exhibió su "Apertura del Sexto Sello" en la Institución Británica, recibiendo de ese cuerpo un premio de 200 guineas. Esta obra fue seguida por otras dos sobre el tema del Apocalipsis.

"Naufragio / Shipwreck", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31,8 x 40,6 cm., c.1850
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA)

En 1829 Danby dejó Londres. Durante una década vivió en el lago de Ginebra en Suiza, convirtiéndose en un bohemio con fantasías de construcción de barcos, pintando solo de vez en cuando. Regresó a Inglaterra en 1840, y ese mismo año exhibió su grande y poderosa "El diluvio"; el éxito de esa pintura, "la más grande y dramática de todas sus visiones martinescas", revitalizó su reputación y carrera. Algunas de las pinturas posteriores de Danby, como "El Himno al Sol Naciente de la ninfa de los bosques" (1845), tendían a un estilo más tranquilo, más moderado y más alegre que las obras anteriores, pero regresó a sus formas iniciales cuando pintó "El naufragio" (1859).
Murió en 1861.

"Vista de un lago noruego antes que el sol haya disipado las nieblas matinales /
View of a Norwegian Lake before the Sun Has Dissipated the Early Morning Mist"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43,1 x 61,3 cm., 1833. ArtUK
The Fitzwilliam Museum (Cambridge, Reino Unido / UK)


El 17 de Noviembre es el cumple de

Mato Celestin Medović, pintor croata nacido en 1857 en Kuna en la península de Pelješac. Conocido por sus grandes pinturas que representan escenas históricas, y su serie de coloridos paisajes y marinas de su Dalmacia natal, es uno de los primeros pintores modernos croatas.

"Zaruke hrvatskog kralja Zvonimira / Desposorio del rey croata Zvonimir /
Engagement of Croatian King Zvonimir", antes de / before 1920. Valentino's Blog
https://tinoradman.wordpress.com/2012/01/10/retrospective-exhibition-by-mato-celestin-medovic/

En su juventud fue educado para convertirse en sacerdote en el Seminario franciscano de Dubrovnik, y fue ordenado en 1874, tomando el nombre de Celestin. Recibió su primera formación artística en Italia y estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich, donde comenzó a pintar impresiones artísticas de eventos históricos. Después de la graduación, decidió abandonar la iglesia y seguir su carrera de pintura. Más tarde se mudó a Zagreb y se unió a un grupo de artistas dirigido por Vlaho Bukovac, un pintor de renombre. Desde 1901 comenzó a pasar cada vez más tiempo en su natal Pelješac, en el sur de Croacia, pintando naturaleza, naturalezas muertas, marinas y paisajes en un estilo marcado por el uso del color, la luz y las sombras.

"Splitski crkveni sabor 925 / La asamblea de la iglesia en Split en 925 /
The Church Assembly in Split in 925", antes de / before 1920. Valentino's Blog
Hrvatskom institutu za povijest u Zagrebu / Instituto Croata de Historia en Zagreb

El tiempo de Medović en Italia no dejó una impresión duradera de su trabajo. Sus años en la Academia de Arte de Munich (1888-1893) fueron más formativos. Allí adoptó el estilo y los colores neutros típicos de finales del siglo XIX. Durante su tiempo en Zagreb (1895-1907) gradualmente absorbió algunas de las técnicas de Bukovac y colores más brillantes en su propia personalidad artística. Sus grandes composiciones históricas demuestran el ojo de Medović para los detalles y su hábil interpretación de los temas. Los retratos de esta época incluyen el expresivo "San Francisco" y algunos dibujos y pinturas de la gente de Zagreb.

"Bonaca / Calma / Calm", 1912-14. Valentino's Blog

"Bodegón con uvas / Still Life with Grapes". Valentino's Blog

El trabajo de Medović en la península de Pelješac marcó un cambio completo en la técnica y los temas. Pintó naturalezas muertas, marinas y paisajes, que eran nuevos géneros en el arte croata en ese momento. Su paleta se volvió más y más brillante mientras trabajaba al aire libre. Abandonando su estilo previamente detallado, sus estudios más pequeños de la naturaleza son más creativos. Con gruesos empastes y pinceladas impulsivas, alrededor de 1907 surgió un nuevo estilo en su trabajo: el puntillismo en colores claros y brillantes, que utilizó para sus paisajes de Pelješac. Inicialmente (1908-1912), estos fueron trazos disciplinados en lienzos más grandes, pero en los posteriores (1914-1918), pinturas más pequeñas con motivos capturados impresionistamente, los trazos se volvieron más suaves y los colores difusos. Fue uno de los primeros artistas croatas en pintar los paisajes costeros, y su obra dominó después del cambio de siglo.

"Retrato de un anciano / Portrait of an Old Man", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 × 31 cm., 1890
Museum of Modern Art (Dubrovnik, Croacia / Croatia). Artsy

Medović era un artista versátil, entre la primera generación de pintores croatas modernos. Fue el líder en pinturas históricas y religiosas (desde imágenes íntimas de santos hasta retablos). Pintó algunos finos retratos, y fue el único artista croata en este período que pintó naturalezas muertas. Sin embargo, su mayor contribución a la pintura croata es su serie de paisajes, llenos de luz brillante del sur y colores vigorosos.
Murió en 1920.

"Paisaje con brezos / Landscape with Heath"
Óleo sobre papel / oil on paper, 26 × 35,5 cm., 1914
Museum of Modern Art (Dubrovnik, Croacia / Croatia). Artsy


Hoy, 18 de Noviembre, es el cumple de

Corneliu Baba, pintor rumano, principalmente retratista, pero también conocido como pintor de género e ilustrador de libros, nacido en Craiova en 1906.

"Jucătorul de şah / El jugador de ajedrez / The Chess Player"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100,8 x 93 cm., 1948
Museo Nacional de Arte, Galería de Arte Moderno (Bucarest, Rumania / Bucharest, Romania)

Habiendo estudiado primero con su padre, el pintor académico Gheorghe Baba, estudió brevemente en la Facultad de Bellas Artes de Bucarest, pero no recibió un título. Su primera exposición pública fue en 1934 en la ciudad balneario de Băile Herculane; esto lo llevó a estudiar más tarde ese año con Nicolae Tonitza en Iaşi, y finalmente recibió un diploma en Bellas Artes de la facultad de Iaşi en 1938, donde fue nombrado asistente de la Cátedra de Pintura en 1939 y profesor de Pintura en 1946.
Poco después de su debut oficial en 1948 con una pintura llamada "El jugador de ajedrez" en el Art Salon de Bucarest, fue arrestado y brevemente encarcelado en la prisión de Galata en Iaşi. Al año siguiente fue suspendido sin explicación de su puesto de docente y se mudó de Iaşi a Bucarest.

"Maternidad / Maternity", 1979. Wikiart

A pesar de una relación inicial incómoda con las autoridades comunistas que lo denunciaron como formalista, Baba pronto se estableció como ilustrador y artista. En 1955 se le permitió viajar a la Unión Soviética, y ganó una Medalla de Oro en una exposición internacional en Varsovia, Polonia. En 1956 acompañó a "El jugador de ajedrez" y otras dos pinturas que se mostraron en la Bienal de Venecia, después de lo cual las pinturas viajaron a exposiciones en Moscú, Leningrado y Praga.
En 1958 fue nombrado profesor de pintura en el Instituto de Bellas Artes Nicolae Grigorescu de Bucarest, donde Niculiţă Secrieriu y Ştefan Câlţia se encontraban entre sus alumnos. El mismo año recibió el título de Maestro Emérito de Arte. En este momento sus problemas anteriores con las autoridades comunistas parecieron haberse suavizado.

"Compañeros ciudadanos / Fellow Citizens", 1974. Wikiart

En la década siguiente, tanto él como sus pinturas viajaron por el mundo, participando en exposiciones en lugares tan diversos como El Cairo, Helsinki, Viena y Nueva Delhi, y culminaron en una exposición individual de 1964 en Bruselas. En 1962 el gobierno rumano le dio el título de Artista del Pueblo. En 1963 fue nombrado miembro correspondiente de la Academia rumana, y en 1964 fue igualmente honrado por la Academia de Bellas Artes de Berlín Oriental.
Los honores y exposiciones continuaron acumulándose, desde una exposición individual de 1970 en la ciudad de Nueva York hasta la recepción de la condecoración de la Estrella Roja en 1971. Si bien su nombre se convirtió en una palabra común en Rumania y, en menor medida, en todo el bloque del Este, nunca alcanzó una fama comparable en Occidente.

"Naturaleza muerta / Still Life", 1979. Pinterest

En 1988, Baba fue gravemente herido por un accidente en su estudio, y quedó inmovilizado durante varios meses. En 1990, después de la Revolución rumana, fue elevado a la membresía titular en la Academia rumana. Poco antes de su muerte en 1997, Baba publicó su libro de memorias "Notas de un artista de Europa del Este". Recibió póstumamente con el Premio a la Excelencia de la Fundación Cultural Rumana.

"Curtezană / Cortesana / Courtesan", óleo sobre lienzo pegado sobre cartón /
oil on canvas pasted on cardboard, 41,5 x 38 cm., 1983. Mutualart


Textos en inglés / English translation

On November 12 is the birthday of

Laurin McCracken, American watercolor painter born in 1942 in Meridian, Mississippi, known for his photorealistic still lifes, florals, landscapes and other subjects.
McCracken earned a B.A. in Art and Architecture from Rice University. He also graduated from Princeton University with a Master's in Architecture and Urban Planning. For forty years, McCracken worked as an architect and the head of marketing for several of the nation's leading architectural and engineering firms. McCracken took his first watercolor classes in 1999 with Gwen Bragg at The Art League in Alexandria, Virginia. He also studied under Alain Gavin, a professor at The Art Institute of Chicago.
McCracken retired and began painting full-time. He lives and works in Fort Worth, Texas.

On November 13 is the birthday of

Ernst Thoms, German painter, born in 1896 in Nienburg/Weser.
After serving a painter's apprenticeship between 1911 and 1914, he had time to study for a few months at the Hanover School for the Decorative and Applied Arts before being conscripted. Ernst Thoms was a prisoner of war in an English internment camp but returned home in November 1919. 
He once again spent some months at the Hanover School for the Decorative and Applied Arts in 1920 in the class taught by Burger-Mühlfeld, where he was introduced to Grethe Jürgens and her circle. Ernst Thoms, however, remained for the most part self-taught. His genres of choice were landscapes, still lifes and portraits.
During the galloping inflation of the early 1920s, Ernst Thoms was forced to eke out a living as a house painter but in 1924-25 he also painted advertisements and stage-sets. At that time Schwitters and Vordemberg-Gildewart were also active in Hannover, where their work was highly respected. Whereas the realism of the sort practised by the "New Objectivity Group" was regarded as an anachronism, Ernst Thoms was the only advocate of this style to achieve recognition by the 1920s.
He had his first show in 1926 at the Kestner-Gesellschaft in Hannover and the Provinzialmuseum bought his painting "Dachboden / Attic". Ernst Thoms subsequently joined the "Deutscher Künstlerbund" and the "Hanover Secession". He showed work at exhibitions in Amsterdam, Stockholm and most larger German cities as well as at the Neumann-Nierendorf Gallery in Berlin, the Hamburg Secession and the Kestner-Gesellschaft in 1928, 1931 and 1932. 
Ernst Thoms was awarded Honorable Mention in 1930 by the Prussian Ministry of Culture for his "Bildnis der Mutter" ["Portrait of His Mother"]. Thoms took part in the 1934 Venice Biennale and married Grete Giesemann that same year. In 1937 the National Socialists confiscated the pictures by Ernst Thoms that hung in German museums.
In 1939-40 Thoms was again conscripted. When his studio and his flat were gutted in a bombing raid in 1943, all the pictures of his that were his personal possessions were destroyed. Nevertheless Thoms continued to paint after the war ended. In 1950 he returned to Hanover. The Hanover Kunstverein mounted a retrospective of Ernst Thoms's work on the occasion of his sixtieth birthday. 
In 1964 Thoms was decorated with the Grand Service Cross of the Order of Lower Saxony. From 1968 deteriorating eyesight was a handicap for Ernst Thoms in his last years although he continued to paint. 
Ernst Thoms died in Vietzen near Nienburg in 1983. His work, which remained close to New Objectivity, has always been appreciated and acclaimed.

On November 14 is the birthday of

John Steuart Curry, American painter born in 1897 in Dunavant, Kansas.
Despite growing up on a Midwestern farm, both of Curry's parents were college educated and had even visited Europe for their honeymoon. Curry's early life consisted of caring for the animals on the farm, attending the nearby high school and excelling in athletics. His childhood home was filled with many reproductions of Peter Paul Rubens and Gustave Doré, and these artists' styles played a significant role in crafting John Curry's own style.
Curry was encouraged to paint animals around the farm and at the age of twelve he had his first art lesson. In 1916 John entered the Kansas City Art Institute, but after only a month there he transferred to the Art Institute of Chicago, where he stayed for two years. In 1918 he attended Geneva College in Beaver Falls, Pennsylvania. After he graduated, Curry worked as an illustrator from 1921 to 1926.
In 1926 Curry spent a year in Paris studying the works of Gustave Courbet, and Honoré Daumier as well as the color techniques of Titian and Rubens. After his return to the United States he settled in New York City and married Clara Derrick, shortly thereafter they moved to Westport, Connecticut in 1924. Clara died in June 1932 and for the next two years Curry devoted his time to working in his studio. He traveled with the Ringling Brothers Circus and during his time with them created his painting The Flying Cadonas. He remarried in 1934 to Kathleen Gould. The Federal Art Project was instituted in 1934 as a way to give work to artists and alleviate the effects of the Great Depression.
In 1936, Curry was appointed as the first artist-in-residence at the Agricultural College of the University of Wisconsin–Madison. He was free to travel throughout the state and promote art in farming communities by providing personal instruction to students.
In 1937, he was elected into the National Academy of Design as an Associate member, and became a full Academician in 1943. Curry continued to work at the University of Wisconsin until he died of a heart attack at the age of 48, in 1946.

On November 15 is the birthday of

Michael Otto Albert Kvium, Danish artist born in Horsens in the east of Jutland, in 1955.
He has excelled in a number of fields such as painting, illustrating, sculpting and various performance genres. Since the early 1980s, he has created grotesque realistic works, depicting the darker side of life.
He studied painting at the Royal Danish Academy of Fine Arts under Albert Mertz and Stig Brøgger. His paintings and graphic works often resemble comic strip art or extensions of 17th-century Baroque paintings. They depict the more negative aspects of Western culture. Motifs include grotesque monsters, half man half woman, sometimes approaching self-portraits. In 1981, together with Erik A. Frandsen and Christian Lemmerz, he was one of the cofounders of Værkstedet Værst, a collaborative workshop for performance art. From the 1980s, his works include virus-like shapes as part of the growth cycles. Works from the 1990s also include bandaged figures depicting paralysis and claustrophobia as can be seen in Kor (1991). Solo exhibitions at ARoS Aarhus Kunstmuseum (2006) and Ordrupgaard (2007) have included large works evoking relationships with the landscape and nature. His works also include videos, comic strips and performances. He has created stage sets in collaboration with Katrine Wiedemann. Together with Christian Lemmerz, in 2000 he created an eight-hour-long silent film titled The Wake inspired by James Joyce's Finnegans Wake.
Kvium's works are included in the collections of many of Denmark's museums and galleries.

On November 16 is the birthday of

Francis Danby, Irish painter of the Romantic era born in County Wexford in 1793. His imaginative, dramatic landscapes were comparable to those of John Martin.
When his father died, the family moved to Dublin where he began to practice drawing at the Royal Dublin Society's schools; and under an erratic young artist named James Arthur O'Connor he began painting landscapes. Danby also made acquaintance with George Petrie.
In 1813 Danby left for London together with O'Connor and Petrie. This expedition, undertaken with very inadequate funds, quickly came to an end, and they had to get home again by walking. At Bristol they made a pause, and Danby, finding he could get trifling sums for water-color drawings, remained there working diligently and sending to the London exhibitions pictures of importance. There his large oil paintings quickly attracted attention.
From around 1818/19, Danby was a member of the informal group of artists which has become known as the Bristol School, taking part in their evening sketching meetings and sketching excursions visiting local scenery. The group had initially formed around Edward Bird, and Danby would eventually succeed Bird as its central figure. Bird's genre painting had a naturalistic style and fresh colours, and his influence has been seen on Danby's style.
The Upas Tree (1820) and The Delivery of Israel (1825) brought him his election as an Associate Member of the Royal Academy. He left Bristol for London, and in 1828 exhibited his Opening of the Sixth Seal at the British Institution, receiving from that body a prize of 200 guineas; and this picture was followed by two others on the theme of the Apocalypse.
In 1829 Danby left London.  For a decade he lived on the Lake of Geneva in Switzerland, becoming a Bohemian with boat-building fancies, painting only now and then. He returned to England in 1840, and that same year exhibited his large and powerful The Deluge; the success of that painting, "the largest and most dramatic of all his Martinesque visions," revitalised his reputation and career. Some of Danby's later paintings, like The Woodnymph's Hymn to the Rising Sun (1845), tended toward a calmer, more restrained, more cheerful manner than those in his earlier style; but he returned to his early mode for The Shipwreck (1859).
He died in 1861.

On November 17 is the birthday of

Mato Celestin Medović, Croatian painter born in 1857 in Kuna on the Pelješac peninsula. Best known for his large paintings depicting historical scenes, and his series of colourful landscapes and seascapes of his native Dalmatia, Medović is one of the earliest modern Croatian painters.
In his youth Medović was schooled to become a priest in the Franciscan Seminary in Dubrovnik, and was ordained in 1874, taking the name of Celestin. He received his first art training in Italy, and went on to study at the Academy of Fine Arts in Munich, where he began painting artistic impressions of historical events. Following graduation he decided to leave the church and pursue his painting career. Medović then moved to Zagreb and joined a group of artists led by Vlaho Bukovac, a renowned painter. Since 1901 Medović increasingly began to spend time on his native Pelješac in southern Croatia, painting nature, still lifes, seascapes and landscapes in a style marked by his use of colour and light shadows.
Medović's time in Italy did not leave a lasting impression his work. His years spent at the Academy of Art in Munich (1888–1893) were more formative. There he adopted the style and neutral colors typical of the late 19th century. During his time in Zagreb (1895–1907), Medović gradually absorbed some of Bukovac's techniques and brighter colours into his own artistic personality. His large historical compositions demonstrate Medović's eye for detail and his skillful interpretation of the subject. Portraits from this time include the expressive "St. Francis", and some drawings and paintings of the people of Zagreb.
Medović's work on the Pelješac peninsula marked a complete departure in technique and themes. He painted still lifes, seascapes, and landscapes, which were new genres in Croatian art at the time. His palette became lighter and brighter as he worked outdoors. Abandoning his previously detailed style, his smaller studies from nature are more creative. With thick impasto and impulsive brush strokes, around 1907 a new style emerged in his work – pointillism in a light, bright colours, that he used for his landscapes of Pelješac. Initially (1908–1912), these were disciplined strokes on larger canvases, but in his later (1914–1918), smaller paintings with impressionistically captured motifs, the strokes became softer and more diffuse colours. He was one of the first Croatian artists to paint the coastal landscapes, and it dominated his work after the turn of the century.
Medović was a versatile artist, among the first generation of modern Croatian painters. He was the leader in historical and religious paintings (from intimate images of saints to altarpieces). He painted some fine portraits, and was the only Croatian artist in this period painting still lifes. However, his major contribution to Croatian painting is his series of landscapes, full of bright southern light and vigorous colours.
He died in 1920.

Today, November 18, is the birthday of

Corneliu Baba, Romanian painter, primarily a portraitist, but also known as a genre painter and an illustrator of books, born in Craiova in 1906.
Having first studied under his father, the academic painter Gheorghe Baba, Baba studied briefly at the Faculty of Fine Arts in Bucharest, but did not receive a degree. His first public exhibition was in 1934 in the spa town of Băile Herculane; this led to his studying later that year under Nicolae Tonitza in Iaşi, finally receiving a diploma in Fine Arts from the faculty at Iaşi in 1938, where he was named assistant to the Chair of Painting in 1939 and a Professor of Painting in 1946.
Shortly after his 1948 official debut with a painting called The Chess Player at the Art Salon in Bucharest, he was arrested and briefly imprisoned in Galata Prison in Iaşi. The following year he was suspended without explanation from his faculty position and moved from Iaşi to Bucharest.
Despite an initially uneasy relationship with communist authorities who denounced him as formalist, Baba soon established himself as an illustrator and artist. In 1955 he was allowed to travel to the Soviet Union, and won a Gold Medal in an international exhibition in Warsaw, Poland. In 1956, Baba accompanied The Chess Player and two other paintings showed at the Venice Biennale, after which the paintings traveled on to exhibits in Moscow, Leningrad, and Prague.
In 1958 Baba was appointed Professor of Painting at the Nicolae Grigorescu Institute of Fine Arts in Bucharest, where Niculiţă Secrieriu and Ștefan Câlția were among his pupils. The same year he received the title of Emeritus Master of Art. By this time, his earlier problems with the communist authorities appear to have been smoothed over. In the next decade, both he and his paintings were to travel the world, participating in exhibitions in places as diverse as Cairo, Helsinki, Vienna, and New Delhi, culminating in a 1964 solo exhibition in Brussels. In 1962, the Romanian government gave him the title of People's Artist; in 1963 he was appointed a corresponding member of the Romanian Academy, and in 1964 was similarly honored by the East Berlin Academy of Fine Art.
Honors and exhibitions continued to accumulate, ranging from a 1970 solo exhibition in New York City to the receipt of a Red Star decoration in 1971. While his name became a household word in Romania and, to a lesser extent, throughout the Eastern bloc, he never achieved comparable fame in the West.
In 1988, Baba was seriously injured by an accident in his studio, and was immobilized for several months. In 1990, following the Romanian Revolution, he was elevated to titular membership in the Romanian Academy. Shortly before his death in 1997, Baba published his memoir, Notes by an Artist of Eastern Europe. He was posthumously awarded the Prize for Excellence by the Romanian Cultural Foundation.

jueves, 16 de noviembre de 2017

Ágnes Herczeg [Arte textil]

Utilizando diferentes elementos de procedencia natural (hilos, raíces, ramas, cáscaras de coco...), la húngara Ágnes Herczeg crea pequeñas y delicadas piezas figurativas representando personas, animales y objetos. Un trabajo orignal, sutil y meticuloso, fruto de un profundo conocimiento de las técnicas (encaje, trenzado, bordado, macramé...) y los materiales.

Using different elements of natural origin (threads, roots, tree branches, coconut shells ...), the Hungarian Ágnes Herczeg creates small and delicate figurative pieces representing characters, animals and objects. An original, subtle and meticulous work, fruit of a deep knowledge of the techniques (lace, braiding, embroidery, macrame...) and materials.
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Ágnes Herczeg


Ágnes Herczeg es una artista textil húngara, nacida en la ciudad de Kecskemét.
Se graduó de la Universidad de Bellas Artes de Hungría (1992-1997), con un título en conservación textil.
«Cuando estaba embarazada, sentí que era el momento para comenzar con el bordado, por mi propio placer. Estaba interesada en todo tipo de técnicas, incluyendo la costura y el encaje.»

Encaje y cáscara de coco / Lace & Coconut Shell, altura / high: 22 cm.

Izq./ Left: Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 18 cm.
Der./ Right: Encaje y cerámica / Lace & Ceramic, altura / high: 31 cm.

«Para mí, era importante conocer a fondo todo sobre la técnica. Me tomó bastante tiempo para reunir todo el conocimiento necesario. Sin embargo, si no hubiera hecho esto, no podría crear nada. Cualquiera puede aprender a bordar, el resto viene de forma natural.»

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 16 cm.

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 23 cm.

«[Mi diseñador favorito es] el artista de la era prehistórica, que utilizó los recursos de la naturaleza, que pintó la cueva con pintura mineral, que moldeó sus esculturas en arcilla, que sabía exactamente cómo utilizar todos los recursos naturales. Él es a quien respeto.»

Encaje y cerámica / Lace & Ceramic, altura / high: 21 cm.

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 17 cm.

«Con los años he aprendido muchas técnicas tradicionales de artesanía. He estudiado extensamente la artesanía del bordado y la confección de encajes (encaje de aguja, encaje de cojines, macramé, trenzado). En mi trabajo sólo utilizo materiales naturales de origen vegetal: hilos, hebras, textiles, ramas de árboles, raíces, frutas, semillas ... combino varias técnicas en mis trabajos, por lo que la artesanía tradicional se complementa con madera natural y material cerámico para formar la imagen.»

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 21 cm.

Encaje y cáscara de coco / Lace & Coconut Shell, altura / high: 12 cm.

Encaje y cáscara de coco / Lace & Coconut Shell, altura / high: 17 cm.

«El diseño es una parte importante del proceso creativo, porque tengo que pensar no solo en la apariencia visual del trabajo, sino también en su estructura general y en el orden de los pasos individuales. Hacer encaje es una ocupación extremadamente lenta; lleva varios días completar una pequeña pieza.»

Encaje y cáscara de coco / Lace & Coconut Shell, altura / high: 25 cm.

Encaje y cerámica / Lace & Ceramic, altura / high: 22 cm.

Encaje y cáscara de coco / Lace & Coconut Shell, altura / high: 19 cm.

Ágnes Herczeg is an Hungarian textile artist, born in the town of Kecskemét.
She graduates from the Hungarian University of Fine Arts (1992-1997) majoring in textile conservation.
«When I was pregnant, I felt that this is the period to start with embroidery for my own pleasure. I was interested in all kinds of techniques, including needlework and lace.»

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 23 cm.

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 8 cm.

«For me it was important to thoroughly know everything about the technique. I spent quite a long time for collecting all the necessary knowledge. However if I didn’t do this, I couldn’t create anything. Anyone can learn to make embroidery, the rest comes naturally.»

Encaje y cáscara de coco / Lace & Coconut Shell, altura / high: 8 cm.

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 9 cm.

«[My favourite designer is] the artist of the prehistoric age, who used the resources of the nature, who painted the cave with mineral-paint, who shaped his sculptures out of clay, who exactly knew how to utilize all natural resources. He is whom I respect.»

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 17 cm.

Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 7 cm.

Izq./ Left: Sólo encaje / Pure Lace, altura / high: 19 cm.
Der./ Right: Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 13 cm.

«Over the years I have learned many traditional handicraft techniques. I have extensively studied the crafts of embroidery and lacemaking (needle lace, pillow lace, macramé, braiding). In my work I only use natural materials of vegetable origin: yarns, threads, textiles as well as tree branches, roots fruits, seeds…I combine various techniques in my works, thus traditional handicraft is complimented with natural wood and ceramic material to form the image.»

Colores naturales / Natural Colors, altura / high: 35 cm.

Encaje y cáscara de coco / Lace & Coconut Shell, altura / high: 30 cm.

«Design is a significant part of the creative process because I have to think through not only the visual appearance of the work but its overall structure and the order of the individual steps. Lace-making is an extremely time consuming occupation; it takes several days just to complete a small piece.»

Izq./ Left: Encaje y madera / Lace & Wood, altura / high: 21 cm.
Der./ Right: Sólo encaje / Pure Lace, altura / high: 16 cm.

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista en el Nº 1 de / Interview in Issue # 1 of Creative Room 4 Talk, 4/2015

Más sobre / More about Ágnes Herczeg: Website, facebook
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Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Ágnes!)
Otro inestimable hallazgo de Shirley Rebuffo, siempre atenta al arte textil, que suele ofrecernos creaciones sorprendentes como estas /
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Ágnes!)
Another invaluable finding by Shirley Rebuffo, always attentive to textile art, which often offers surprising creations like these.

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